Aurora Pellizzi vive y trabaja actualmente en Ciudad de México. Hija de antropólogos, nació en 1983 en Ciudad de México y creció entre Nueva York y Cuernavaca. Estudió arte en la Cooper Union School (BFA, 2010) e historia del arte en la Universidad de Nueva York (BFA, 2005).

La obra de Pellizzi combina los preceptos formales de la pintura y la escultura con técnicas artesanales. Su práctica se inspira en procesos y materiales textiles preindustriales, desde el teñido natural hasta el tejido en telar de cintura. Las limitaciones técnicas dan paso a formas y figuras texturizadas y dimensionales. La fibra se utiliza como campo pictórico y como encarnación del tema que representa.

Ha expuesto en Austria, Bélgica, Colombia, España, Estados Unidos, Francia, Italia, Marruecos, México, Perú y Reino Unido, incluyendo exposiciones en el Museo Franz Mayer de Ciudad de México, el Museo de Arte Maya de Cancún, el Museo de Artes Populares de México en Ciudad de México, y próximamente en el Museo de la Ciudad de Querétaro y el Instituto Mexicano de Madrid (2023).

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DECLARACIÓN DEL ARTISTA - Aurora Pellizzi:

Mi obra combina de forma lúdica conceptos formales de la pintura y la escultura -como la abstracción, la perspectiva, la figura y el fondo- con técnicas y prácticas textiles tradicionales, sobre todo el tejido y el teñido natural. El humor actúa como catalizador disipando la división tradicionalmente atribuida entre artesanía y arte.

En mi trabajo utilizo a menudo infusiones naturales de índigo, madera de Brasil, cochinilla, huesos de aguacate y caléndula azteca para producir mi paleta de colores. Las variaciones de tono y matiz derivan de la composición natural de la fuente y del PH particular de cada receta de tinte. Tratados como un material en sí mismo y no como un atributo o revestimiento externo, los colores resultantes son profundamente saturados e inusuales, especialmente en nuestra era digital postindustrial.

Las formas abstractas simplificadas adquieren relieve volumétrico mediante capas de fibra esculpida. La geometría, la figuración y la abstracción se invierten para que los círculos se conviertan en pechos que giran hasta convertirse en esferas. Un triángulo existe como triángulo, se convierte en pubis y luego se desvanece en un punto de fuga. El cuerpo se experimenta como detalle y como paisaje: la figura y el suelo coexisten simbióticamente.

La figura femenina no se representa, sino que se encarna como campo, sujeto y símbolo. Los cuerpos están simultáneamente desinhibidos, cargados, relajados y distendidos dentro del lienzo. Físicamente dominante como los peñascos, depresiones y horizontes que componen un paisaje, el cuerpo femenino está impregnado de la fuerza creativa que lleva dentro: lo procreativo y lo creativo, entrelazados.

Aurora Pellizzi currently lives and works in Mexico City. Daughter of anthropologists, she was born in 1983 in Mexico City and grew up between New York and Cuernavaca. She studied art at Cooper Union School (BFA, 2010) and art history at New York University (BFA, 2005).

Pellizzi’s work combines formal precepts of painting and sculpture with craft techniques. Her practice is informed by pre-industrial textile processes and materials, from natural dyeing to back-strap loom weaving. Technical constraints give way to textural, dimensional shapes and forms. Fiber is used both as a pictorial field and as the embodiment of the subject it represents.

She has exhibited in Austria, Belgium, Colombia, France, Italy, Mexico, Morocco, Peru, Spain, the United Kingdom, and the United States, including exhibitions at the Franz Mayer Museum in Mexico City, the Museo de Arte Maya in Cancun, the Museo de Artes Populares of Mexico in Mexico City, and forthcoming at the Museum of the City of Queretaro and the Mexican Institute in Madrid (2023).

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ARTIST STATEMENT – Aurora Pellizzi:

My work playfully combines formal concepts of painting and sculpture – such as abstraction, perspective, figure, and ground – with traditional textile techniques and practices – most notably weaving and natural dyeing. Humor acts as a catalyst dissipating the traditionally ascribed divide between craft and art.

In my work I often use natural infusions of indigo, brazilwood, cochineal, avocado pits, and Aztec marigold to produce my color palette. Variations of tone and hue derive from the source’s natural composition and from the particular PH of each dye recipe. Treated as a material in and of itself and not as an external attribute or coating, the resulting colors are deeply saturated and unusual, especially in our post-industrial, digital age.

Simplified abstract shapes are fleshed out into volumetric relief through layers of sculpted fiber. Geometry, figuration, and abstraction are turned on their head so that circles become breasts which spin into spheres. A triangle exists as a triangle, becomes a pubis, and then recedes into a vanishing point. The body is experienced both as detail and landscape – figure and ground coexist symbiotically.

The female figure isn’t represented but embodied as field, subject, and symbol. Bodies are simultaneously uninhibited, charged, at ease, and distended within their canvas. Physically dominant like the boulders, depressions and horizons that make up a landscape, the female body is permeated by the creative force within it –– the pro-creative and creative, intertwined.